DARK DECO: A ESTÉTICA NOIR NOS QUADRINHOS
O céu vermelho e os prédios bizarramente grandes e negros de Gotham City, a elegância do neon de Wicked City e a paz noturna das noites iluminadas pela luz fraca e esbranquiçada dos postes em Tom e Jerry. O que produções tão diferentes podem ter em comum? A estética que as unifica, e que talvez seja a maior responsável por fixá-las no imaginário popular de todos nós até os dias de hoje: o Dark Deco. Apesar de não ter um criador oficial, o conceito foi batizado pelos pais de Batman Animated Series: Bruce Timm e Eric Radomski, que exigiam que todos os cenários fossem desenhados em papel preto, fazendo com que o trabalho dos desenhistas não fosse criar a escuridão, uma vez que ele sempre estava lá, e sim, trazê-la à luz. Obviamente, houveram referências para a concepção desse estilo único. Os ângulos tortos e o uso da luz foram retirados dos clássicos do Expressionismo Alemão dos anos 1920, enquanto os famosos sobretudos e a paisagem urbana decadente ao mesmo tempo que majestosa, foi inspirada diretamente dos clássicos noir do cinema hollywoodiano dos anos 1940. Mas afinal, quais desenhos foram responsáveis por solidificar essa estética como uma das mais reverenciadas da cultura pop? E qual o significado dela em cada uma dessas produções? É isso que vamos descobrir hoje!
HISTÓRIA DA CULTURA POP
Rafael Silva
7/12/20267 min read
Batman: A Série Animada
Nada mais justo do que começarmos pelo fundador dessa estética. Para se ter noção do poder visual da série, sua produção foi viabilizada pelos pouco mais de um minuto que compõem a sua abertura. Ela apresentava o ápice da beleza estética do desenho desde o uso das sombras até o céu avermelhado que se tornou marca registrada, fascinando os produtores da Warner Bros. Ou seja, desde o princípio, a melhor série animada do Cavaleiro das Trevas esteve diretamente relacionada ao seu visual.
A relação entre Batman e a cidade que o cerca foi muitíssimo bem retratada pelo Dark Deco. A magnitude imponente dos grandes prédios e a beleza da vida noturna contrastam-se brilhantemente com a sujeira decadente dos becos e dos esgotos. É quase como um reflexo da própria dualidade de Batman/Bruce Wayne e da própria Gotham City como um todo, sempre em uma linha tênue entre a belo e o terrível, entre a sanidade e a insanidade.
O Dark Deco também serve como um constante lembrete do quão pequeno o Batman é diante da missão que lhe foi confiada. Por mais incrível que ele possa ser, ele ainda é só um homem; uma formiga perto da enormidade daquela cidade que parece guardar segredos que nem mesmo o Maior Detetive do Mundo será capaz de desvendar em sua totalidade.
O próprio tom avermelhado dos céus parece simbolizar a cruzada vingativa do herói contra o crime, ao mesmo tempo que retrata a atmosfera sempre caótica da cidade que jurou defender. Esse subtexto evoca diretamente os clássicos do expressionismo, em que o ambiente é, na verdade, uma amostra do que o personagem esconde em seu âmago. O exterior é um reflexo direto do interior.
Um episódio que nos traz claramente essa ideia é o icônico "Nada a Temer", notório por ser a estreia do Espantalho no seriado. Graças ao seu gás do medo, Jonathan Crane é capaz de dar vida aos horrores guardados na mente de Batman. Nesse momento, as sombras, que antes eram um terror apenas sugerido, tornam-se palpáveis, pelo menos em seus devaneios. As metáforas passam a firmar raízes na realidade.
Enquanto Wayne alucina, vendo a expressão furiosa de seu pai, Thomas Wayne, acusando-o de ser uma vergonha e rasgando os céus rubros de Gotham, o cenário começa a se transformar em formas distorcidas que parecem ganhar vida em torno dele. Outros capítulos, como "Coração de Gelo" e "Talvez Sonhar", também exploram a cidade de maneira mais emocional, carregando significados profundos tanto para o Batman quanto para os seus inimigos.
O Cavaleiro das Trevas é também o bastião do anacronismo temporal que Gotham parece vivenciar, e que acabou tornando-se marca registrada da lore do personagem. Enquanto a população se veste com roupas típicas dos anos 1930 e pilota carros pelo menos duas gerações ultrapassados, o Batman utiliza-se de supercomputadores, aviões de combate e um carro que mais parece uma nave espacial. Esse contraste entre o velho e o novo, entre o normal e o anormal, é exatamente o que dá a Gotham a sua magia.
Timm teve clara inspiração nos dois filmes de Batman dirigidos por Tim Burton, que também contavam com uma estética surreal e com traços noir, especialmente no clássico de 1989.
No entanto, por mais que TAS tenha sido a responsável por moldar e batizar as bases do Dark Deco, houve outros desenhos anteriores a ela que já haviam popularizado esse estilo…
Scooby-Doo
Em 1969, a Hanna-Barbera construiu uma das estéticas mais fantásticas das animações, trazendo o terror vitoriano com toques psicodélicos por meio do lápis de Walt Peregoy. Quem não se lembra da Máquina Mistério atravessando estradas isoladas, tomadas pela neblina, em direção a uma casa mal-assombrada ou vila isolada, onde muitas vezes ela era o único elemento que fugia da paleta preto, cinza ou marrom?
Por mais que essa estética seja única e inesquecível, ela não faz parte do Dark Deco, que foi introduzido ao universo da Mistério S.A. em "O Show do Scooby-Doo" (1976-1978), construindo uma identidade completamente nova e igualmente imersiva para as aventuras da turma.
A arquitetura ganha a rigidez da Dark Deco. As mansões, hotéis de beira de estrada e museus passam a ser desenhados com ângulos retos, simetria perfeita e linhas verticais esmagadoras. A casa mal-assombrada deixa de parecer um covil de bruxa gótico e passa a parecer um prédio corporativo ou uma fortaleza industrial abandonada.
O que antes parecia um terror gótico rural se transformou em algo mais moderno e urbano, com o terror emanando da frieza da perfeição industrial, e não mais do esquecimento do abandono. As florestas gélidas foram substituídas por uma selva de pedra intransponível.
Se antes o grupo parecia viver em meio a um apocalipse econômico (que é uma ótima teoria, por sinal), com os vilões mal e porcamente tentando se passar por alguma lenda urbana para conseguir um terreno ou recompensa, agora eles enfrentam vilões como o Demônio da Alta-Voltagem e O Monstro de Tar, que, para além de homens disfarçados com muita pirotecnia, demonstravam claramente a mudança de ares do seriado.
A Pantera Cor de Rosa
Se Batman e Scooby-Doo usam o peso das estruturas para esmagar os personagens, o clássico animado da Pantera Cor-de-Rosa (anos 1960 e 1970) faz exatamente o oposto: ele esvazia o cenário para deixar apenas a essência geométrica da cidade. Aqui, o Art Deco e o expressionismo são levados a um nível de abstração quase cirúrgico.
Os cenários assinados por Hawley Pratt frequentemente desafiam a lógica física. Paredes não existem por completo; em vez disso, temos apenas uma linha reta flutuando no fundo e uma porta isolada no meio do nada. As ruas e os prédios não são detalhados com tijolos ou sujeira, mas representados por grandes blocos de cores sólidas e contrastantes, um retângulo azul-noturno cruzando um quadrado amarelo que simula a luz de um poste.
Essa estética se relaciona perfeitamente com a lore e com a personalidade da própria Pantera. Ela é o epítome da sofisticação, do silêncio e do cinismo urbano. O mundo ao seu redor reflete essa frieza: uma metrópole moderna, esquemática, onde o ritmo é ditado pelo jazz de Henry Mancini. O minimalismo geométrico cria uma espécie de "teatro do absurdo" sofisticado, onde o vazio do cenário amplifica o humor visual e a solidão elegante da personagem em meio à burocracia do mundo dos homens (representada pelo icônico homenzinho branco, o The Little Man).
Wicked City
Se a Pantera Cor-de-Rosa flerta com a comédia abstrata, o longa-metragem japonês Wicked City (1987), dirigido pelo mestre Yoshiaki Kawajiri, eleva o estilo ao ápice de sua maturidade e crueza visual. Aqui, as sombras pesadas deixam de ser apenas um recurso de suspense infanto-juvenil e passam a moldar o que conhecemos como Neon Noir.
A lore do filme gira em torno de uma Tóquio dividida: a noite esconde uma guerra silenciosa entre o mundo humano e o Black World, uma dimensão habitada por demônios metamorfos. A estética trabalha diretamente a serviço dessa premissa. Kawajiri adota uma arquitetura monumentalista e agressiva, onde os arranha-céus parecem lâminas pretas que rasgam o céu noturno.
A grande assinatura visual de Wicked City é o uso cirúrgico do alto contraste. A escuridão total dos becos, dos bares de jazz esfumaçados e dos quartos de hotel de luxo é cortada por flashes violentos de neon em tons de magenta, ciano e roxo. Essa luz artificial não ilumina o ambiente; ela apenas "esculpe" as silhuetas dos personagens e das criaturas grotescas que se escondem no breu. As sombras pesadas são literais, em Wicked City, qualquer canto escuro da metrópole moderna e fria pode ganhar vida e se revelar um monstro. O visual traduz o medo do isolamento urbano da vida adulta, onde o perigo é tão atraente e elegante quanto fatal.
O anime também tem seus toques de body horror, que são a cereja do bolo para a variante do Dark Deco que utilizam. Em sequências carregadas com pela solidão, e por vezes pelo erotismo, a transformações grotescas de humanos em demônios, típicas de clássicos como Enigma de Outro Mundo, desmascaram a atmosfera anteriormente construída, mostrando a verdade nua e crua escondida por trás das sombras de maneira literal.
Seja na imponência gótica de Batman: TAS, na modernização industrial de O Show do Scooby-Doo, no minimalismo jazzístico da Pantera Cor-de-Rosa ou na violência cibernética de Wicked City, a animação do final do século XX provou que a escuridão não é a ausência de arte, ela é a própria tela. Ao esculpir a luz a partir do breu e ao moldar o medo através de linhas retas e geometrias imponentes, o estilo provou que o ambiente nunca é apenas um fundo estático. O exterior é sempre o reflexo do âmago de suas histórias.
Antes de encerrar, indicamos a página do nosso colega Prometheu, que colaborou como consultor para a elaboração desse post, pedimos que confiram sua página no Tik Tok: